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Même dans le dessin d'après nature, lorsqu'il est effectué de manière créative, il y a un moment où l'on dessine de mémoire. En effet, pendant que le regard de l'artiste se détourne de la nature pour se poser sur le dessin, le travail se fait de mémoire, reflétant non seulement ce qu'il a observé dans la scène, dans la nature, mais aussi les impressions, les émotions, et la manière dont ce qu'il a vu se transforme dans sa conscience et son âme. Il n'est pas surprenant qu'on conseille de placer le chevalet non directement devant le sujet, mais sur le côté, à gauche, afin de prolonger le temps de l'expérience visuelle et d'éviter de dessiner "comme sur du verre".

L'utilisation d'outils de mesure ou de la méthode de proportion avec un crayon tenu à bout de bras est également interdite. « L'œil est plus précis que le compas », « l'impression est plus vive que la copie d'après nature », disent les maîtres.

La mémoire visuelle est un examinateur rigide pour l'artiste, elle découvre immédiatement si celui-ci est observateur, s'il sait saisir l'essentiel de ce qu'il voit.

On peut affirmer que c'est précisément le dessin de mémoire qui constitue la véritable épreuve de la connaissance du sujet, de la capacité à transmettre ses caractéristiques essentielles et à exprimer ainsi son intention. Ceux qui ne savent pas dessiner de mémoire dessinent de manière lente et mécanique, même d'après nature. Et dans le travail sur une toile, ils sont impuissants, car il est impossible de tout transférer littéralement de la nature sur la toile.

L'artiste N. Gay, dans sa toile « Pierre le Grand interrogeant le tsarévitch Alexeï », a reproduit de mémoire avec une grande précision l'architecture complexe de la chambre à Monplaisir où eut lieu cet événement, après l'avoir vue une seule fois. Pour développer une telle capacité, disait-il, il faut « chaque jour dessiner de mémoire ce qui vous a marqué, que ce soit la lumière, la forme, l’expression ou la scène — tout ce qui a arrêté votre attention ».

La création d'une image artistique complète est impensable si l'étude directe de la nature n'est pas associée aux images de mémoire, d'imagination et de représentation. Tous les plus grands maîtres de la peinture se distinguaient par une mémoire visuelle exceptionnellement développée.

L'artiste Levitan affirmait que « le paysagiste doit développer sa mémoire visuelle et son pouvoir d'observation peut-être plus que quiconque. Sans mémoire visuelle, il est impossible de réaliser des tableaux même d'après un croquis. Il existe des artistes qui réussissent parfaitement leurs études, mais qui ne parviennent pas à réaliser de véritables toiles. »

Quant à l'artiste O. Vereïski, lors d'une rencontre avec des artistes amateurs, il souligna particulièrement le rôle de la mémoire visuelle : « Apprenez à saisir l'essentiel dans un thème, dans une solution. Soyez attentif à la beauté des mouvements. Votre alliée dans ce processus sera la mémoire visuelle, qu’il faut développer de toutes les manières possibles. Moi, par exemple, lorsque je voyage en train ou en tramway, en observant les visages des passagers, je remarque quelque chose d’inhabituel que j'ai envie de retenir. Mais il n’est pas toujours pratique de sortir un crayon et du papier — cela pourrait gêner la personne. Alors, je recours à cette ‘astuce’ : je ‘dessine’ du doigt sur ma paume pour mémoriser. Ensuite, une fois chez moi, je prends mon crayon. »

Pourquoi vous en parle-t-il ? Apprenez à voir la beauté — elle est partout, autour de nous...

Certains confondent le travail d'après mémoire et le dessin d'après imagination. Les deux méthodes ont un fondement commun : l'objet représenté est absent au moment où le dessin est réalisé. Cependant, dans le dessin d'après mémoire, l'artiste s'efforce de reproduire l'objet dans la même position et sous la même lumière qu'il l'a observé. Dans le dessin d'après imagination, au contraire, l'artiste représente librement un objet précédemment vu, choisissant l'angle et l'éclairage qu'il juge appropriés pour son idée.

Il est évident que pour réussir dans cette démarche, il faut avoir étudié la nature en profondeur, « apprendre par cœur l'objet », comme le disent les maîtres.

Il suffit d'une expérience personnelle pour s’en convaincre : il semble que vous connaissiez votre propre chambre comme vos cinq doigts, mais essayez de dessiner d’après imagination au moins un ou deux objets de son mobilier ! Vous ressentirez immédiatement la nécessité de regarder le modèle. Vous serez peut-être incertain de certains détails, et il est possible que même la forme générale vous semble difficile à représenter, sans parler des détails. La nature devient ainsi une véritable référence. On comprend pourquoi les maîtres disent : « Si tu le dessines cent fois, ce sera facile. »

Le dessin d'après imagination développe également des capacités étonnantes.

Il est raconté que l'artiste Reynolds passait des heures à discuter avec une personne qui lui commandait un portrait, observait attentivement son modèle pendant plusieurs heures, puis restait seul. Le portrait, cependant, était réalisé d'après imagination. Un jour, un visiteur de son atelier se retrouva par hasard entre le peintre, qui travaillait sur le portrait, et le podium vide. À ce moment, il entendit Reynolds s'exclamer : « Ne bloquez pas ma vue du modèle. » Il s'avère que Reynolds avait une telle vision mentale de l'apparence de son modèle qu'il continuait à le « voir » et à peindre son portrait, tout en dirigeant son regard vers un endroit où personne ne se trouvait plus.

L'art est une représentation imagée, et non une reproduction exacte de la réalité. L'artiste ne se contente pas de reproduire ce qu'il voit directement dans la nature, ni même ce qu'il dessine dans son esprit, ce qui l’a précédemment impressionné. Il crée de nouvelles images, représentant même ce qu’il n’a pas pu voir dans la réalité.

V. Sourikov n’a pas été témoin de l'exécution des arquebusiers ni de la conquête de la Sibérie par Ermak, il n’a pas vu la noble femme déchue être conduite à travers les rues enneigées de l'ancienne Moscou. V. Vassnetsov n’a jamais rencontré le tsarévitch Ivan sur un loup gris, I. Répine ne s'est jamais aventuré dans le royaume sous-marin, et V. Serov n’a pas été témoin de l'enlèvement d'Europe. Il existe de nombreux exemples où des tableaux sont créés à partir de l’imaginaire, non seulement pour des sujets historiques ou mythologiques, mais aussi pour des scènes contemporaines.

Il n'est donc pas surprenant que Delacroix ait qualifié l’imagination de « première qualité de l'artiste ». Son rôle dans la création artistique est brillamment résumé par les mots de l’écrivain N. A. Gontcharov, souvent répétés par I. Levitan : « D’un simple croquis de la nature naîtra une copie misérable et dénuée de sens. L'artiste ne peut s’en approcher que par la fantaisie créatrice. Sinon, il serait trop facile d'être artiste. »

Le rôle de l’imagination est particulièrement grand dans le travail des artistes autodidactes et populaires. Dans l’art populaire, il existe une combinaison organique des traditions locales que l’artiste suit consciemment ou par intuition, et de l’improvisation éclatante, souvent inattendue.

La force de l’expérience artistique, la fraîcheur et l’authenticité, la spontanéité de l’expression, sous une forme naïve mais habilement trouvée, se mêlent ici à la profondeur et à l’honnêteté même du regard porté sur le monde.

Et la capacité de voir, sur une feuille blanche, le futur dessin déjà formé, comme s'il était déjà dessiné, n’est-elle pas liée à l'expression de l’imagination ? C’est ainsi que commence le travail, que ce soit pour une esquisse de la nature ou pour un dessin fait d’après l’imagination, d’après mémoire.

La base de notre étude est le dessin d'après nature. Vous apprendrez à voir la nature à travers les yeux de l'artiste et à maîtriser les méthodes et lois de la représentation réaliste de la réalité. Mais l’image artistique réaliste est un mélange de profonde connaissance de la nature, de la réalité et de l’imagination de l’artiste. Et la capacité de dessiner d’après nature se développe d’autant plus activement lorsque l’artiste travaille à la fois d’après mémoire, d’après imagination et d’après représentation.

Beaucoup d'artistes gardent toute leur vie le souvenir de leur première rencontre avec l'œuvre d'un artiste, avec le mystère de la naissance du dessin, qui a peut-être éveillé en eux le désir de créer.

L’un a vu un artiste dessiner des animaux au zoo, trempant son pinceau dans une substance noire, et avec des coups de pinceau et des lignes noires sur une grande feuille d'album, il rendait la rayure du tigre orange, la masse de l'éléphant et l'agitation des singes farfelus. Les artistes se souviennent aussi comme d’une fête de leur première visite dans un musée ou une galerie d'art. Tout cela vous est probablement familier, ou vous le vivrez bientôt — cette sensation festive d’entrer en contact avec de véritables peintures et dessins lors des expositions !

Même la meilleure reproduction ne parvient pas à nous transmettre la beauté de la texture des dessins, ni l'impact magique du matériau graphique. Il est nécessaire de visiter les musées, d’acquérir des estampes originales, d'observer, si l'occasion se présente, le travail du maître sur ses dessins. Cela deviendra une seconde école de maîtrise, après celle de l’étude du modèle vivant. Mais même ici, il faut savoir apprendre.

L’immense utilité de l’étude du travail de nos prédécesseurs réside dans la compréhension des résultats de leur expérience et des chemins qui ont conduit à leurs découvertes, chemins qui peuvent guider les nouveaux artistes vers de nouvelles réalisations.

« Apprendre ne signifie pas imiter en quelque chose, mais maîtriser les techniques de l'art. Maîtriser une technique ne veut pas dire la conserver à vie. Commence à travailler, et le travail lui-même t'enseignera, comme le sait chaque ouvrier » (Maxime Gorki).

« On ne connaît la valeur de soi et de l'autre, disait P. Tchistiakov, que lorsque l'on ne se contente pas de regarder Raphaël ou d'autres grands artistes, mais que l'on place son travail, le sien ou celui de quelqu'un d'autre, à côté de leurs œuvres. »

Cela exige également de la sagacité, de la sensibilité et de l'attention, pour voir dans ses propres œuvres non seulement les défauts, mais aussi les qualités positives, les particularités uniques qu’il est important de développer, et non de masquer par une imitation aveugle, même du plus aimé des artistes.

Ainsi, l’étude de la maîtrise inspirera la création, la recherche de son propre chemin, même modeste, dans l'art. Il est essentiel de se méfier de la copie et de l'imitation ! Copier des reproductions, des cartes postales, ne vous apprendra rien, car elles sont trop éloignées de l'original. Copier les dessins des maîtres dans les musées n’est utile que pour ceux qui ont déjà maîtrisé la grammaire du dessin et sont capables d'analyser la technique de chaque maître, sachant ce qu'il faut chercher dans son laboratoire créatif. L’imitation aveugle, même des plus grands et des plus proches maîtres, mène à une absence de personnalité dans la propre création.

Corot a un jour exclama : « Mieux vaut être pauvre que l'écho de la peinture des autres. »
Une large familiarité avec l'œuvre des maîtres du dessin et de la peinture est également essentielle pour comprendre qu'il n'existe « aucun chemin facile pour devenir peintre » (J. Reynolds). Au-delà du talent, il faut de la persévérance, du travail acharné, et la volonté de surmonter les obstacles.
Les rencontres avec les œuvres des maîtres inspirent, insufflent de l'énergie et éveillent de nouvelles forces pour la création, poussant chaque artiste à se mesurer à l’autre.

Par quoi commencer les exercices pratiques de dessin ?

« Le dessin initial des figures et corps géométriques, comme formes trop abstraites et sèches, doit être entrecoupé par le dessin d'objets issus de l'environnement immédiat des élèves », conseillait P. Tchistiakov.

Il est connu que ce qui est expressif n’est pas seulement ce qui est « simple » en forme, mais aussi ce qui, même complexe, éveille l’émerveillement de l’artiste et le captive dans son travail.

Le croquis d'un objet du quotidien peut s’avérer réussi non pas parce qu'il est techniquement parfait, mais parce que l'artiste, bien que peu expérimenté, reconnaît l'importance de l’objet par son expérience de la vie. Il a cherché à représenter de manière « portraitiste » un petit pichet en verre qui a attiré son attention par les jeux de lumière et la légèreté, l’élégance de sa forme simple.

Certaines imperfections dans la représentation ont été compensées par une composition expressive, qui mettait en valeur la signification et l’attrait de la forme simple de l’objet, sa matérialité.

Si vous avez compris l’importance de l'attitude créative vis-à-vis de chaque dessin, ressenti la différence entre une simple copie, une reproduction et l’expression de ce qui vous semble le plus intéressant, le plus captivant, le plus précieux à dessiner, vous aborderez le dessin d'une manière nouvelle.

« Cherchez des matériaux pour votre création partout dans ce qui vous entoure », écrivait Léonard de Vinci, et il conseillait même de regarder les taches de moisissure sur les murs de la maison voisine, les formes étranges des nuages : « Emporte toujours avec toi un petit carnet en papier, et marque brièvement avec un crayon argenté ces mouvements et, de la même manière, les poses et les groupes de personnes... Et lorsque ton carnet sera plein, mets-le de côté, garde-le pour une occasion propice, et prends un autre carnet, et fais de même avec lui… ».

Commencez par des croquis de l’environnement qui vous entoure.

Faites des croquis où il sera évident pour nous ce qui vous a intéressé. Par exemple, si la pose d'une personne vous a paru expressive, cela devient l'objectif de votre dessin. Dans un autre cas, ce pourrait être un éclairage intéressant sur la figure, ou vous voudrez peut-être montrer ce que fait cette personne. Il vous faudra alors chercher les moyens qui souligneront ces particularités du modèle.

Dessinez tous les jours, partout.

Dessinez des paysages, des objets du quotidien, la vue de votre chambre — il n’y a rien qui ne puisse intéresser un artiste curieux par ses formes ou ses particularités, quelque chose d’inhabituel. En quinze jours, vous aurez certainement accumulé de nombreux croquis de différents types.

Montrez vos premiers dessins à un artiste expérimenté ou envoyez-les pour une consultation à distance si vous n’avez pas de studio ou même de cercle de dessin près de chez vous. Après avoir envoyé vos travaux, continuez à faire de nouveaux croquis.

Il est essentiel de vous immerger dans une pratique régulière et quotidienne du dessin dès les premières étapes de votre démarche créative. C’est là l’essentiel !

« En faisant un croquis de la figure, essayez avant tout de déterminer et de bien caractériser son mouvement. Je vous répéterai sans cesse : le mouvement, c’est la vie. »

« En étudiant le modèle, concentrez-vous d'abord sur l'ensemble. Interrogez-le, et seulement lui...»
«Il faut dessiner sans cesse, dessiner avec les yeux, lorsque vous n'avez pas la possibilité de dessiner au crayon...»

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